Las diferencias entre la música barroca y la clásica

Una de las diferencias más destacadas entre estos períodos clave de la música clásica occidental es el cambio en el pensamiento creativo. La música barroca, como podemos escuchar claramente en la música de un compositor como J. S Bach, es la complejidad textural y el dominio de la escritura polifónica. El periodo clásico se alejó drásticamente de este estilo compositivo denso e intrincado hacia la claridad de una línea melódica y un acompañamiento; o la homofonía. Esto no significa que Mozart o Haydn, por ejemplo, abandonaran las formas musicales anteriores y la fuga aparece en las obras de ambos compositores, especialmente en los cuartetos de cuerda.

Diferencias entre la música barroca y la clásica

En el Barroco, la melodía tendía a estar muy ornamentada. Los intérpretes de la época estaban totalmente acostumbrados a improvisar y a conocer las convenciones que rodeaban la elaboración de una melodía que pudieran estar tocando. Esto, en términos prácticos, creó un catálogo de posibilidades ornamentales que los intérpretes añadían a sus interpretaciones, incluyendo mordentes, trinos, acciaccaturas y apoyaturas, por nombrar algunas.

La adición de estas notas adicionales añadía la floritura y el adorno asociados a los estilos de la época, que eran predominantemente ornamentales. Estos ornamentos musicales se redujeron en el periodo clásico, ya que los compositores buscaban la pureza de la línea melódica con equilibrio y aplomo. La posible excepción es el trino, que a menudo se utilizaba para demostrar el virtuosismo de un intérprete en una actuación y para llevar una sección de música a un cierre entusiasta.

Los compositores clásicos se volvieron cada vez más prescriptivos en el uso de la notación musical. En el Barroco, los compositores solían proporcionar una línea de bajo con figuras que sugerían los acordes a utilizar y esperaban que los intérpretes los utilizaran como mejor les pareciera. Los compositores clásicos dejaban mucho menos a la imaginación del intérprete, hasta el punto de que en los últimos conciertos, por ejemplo, las cadenzas (el pasaje solista en el que el intérprete improvisa tradicionalmente sobre los temas dados), estaban totalmente escritas.

La adición de marcas de volumen (o dinámica) fue cada vez más común en la música clásica, dando lugar a una gama cada vez mayor de posibilidades expresivas, en contraste con el enfoque escalonado (de fuerte a tranquilo o viceversa) de la dinámica que los compositores barrocos explotaron con notable efecto.

Las estructuras y formas musicales comenzaron a cambiar del Barroco al Clásico. La Suite, a menudo compuesta por hasta seis movimientos basados en danzas renacentistas anteriores, se convirtió en la Sonata. Esta forma se desarrolló en la época clásica con la clara intención de permitir al compositor desarrollar sus temas musicales más ampliamente de lo que se esperaba durante el Barroco.

La Sonata se convirtió en una forma de tres movimientos (Rápido – Lento – Rápido), y fue un factor clave en el avance de la música sinfónica en la Era Clásica y en adelante en el periodo romántico de la música. Lo que separa a formas como la fuga de la sonata es que, para los compositores clásicos, el desarrollo del material musical se convirtió en una característica cada vez más dominante en lugar de la exploración de texturas polifónicas.

La tonalidad es una característica dominante de la música clásica, con un fuerte impulso hacia la creación de piezas musicales que giran en torno a la tónica y la armonía dominante. La música barroca también estaba centrada en la tonalidad, pero de forma diferente. En el Barroco, el tirón armónico es más difícil de definir debido a la complejidad de la polifonía.

Los compositores clásicos se esforzaban por crear claridad y simplicidad en sus formas musicales, a menudo mediante texturas homofónicas, que permitían al oído discriminar más fácilmente las formas armónicas subyacentes. Tanto el Barroco como el Clasicismo tienen piezas armónicas inmensamente complejas, pero las intenciones de los compositores y la forma de crear estas composiciones eran radicalmente diferentes.

El concierto continuó siendo popular en la época clásica, pero se produjo un alejamiento del Concerto Grosso barroco hacia el concierto para un solo instrumento solista más orquesta. Estos conciertos se volvieron cada vez más exigentes para los intérpretes para los que fueron escritos y se convirtieron en un espectáculo público mucho mayor que en épocas anteriores.

Lo que escuchamos en el periodo clásico es el auge del virtuoso solista, que acabó dando lugar a obras como los Conciertos para piano de Beethoven. Junto al concierto surgió la Sinfonía clásica, que tenía sus raíces en la Sinfonía italiana, pero que se reformó drásticamente en el siglo XVIII.

La nueva sinfonía clásica permitió el desarrollo de un sonido sinfónico totalmente nuevo. La orquesta que reconocemos hoy comenzó realmente en el periodo clásico. Los conjuntos barrocos tendían al tamaño de los grupos de cámara, con apenas 20-30 músicos.

Las primeras sinfonías de Haydn se compusieron para las mismas fuerzas, pero a mediados del periodo Haydn, la orquesta casi duplicó su tamaño. Como resultado, nuevos instrumentos, como el clarinete, encontraron su lugar en este entorno orquestal, así como un instrumento solista por derecho propio. Las trompetas, los timbales y las secciones de cuerda más grandes, divididas específicamente en violines 1 y 2, violas, violonchelos y contrabajos, se convirtieron en algo habitual en la orquesta clásica.

El clavicordio era el pan de cada día en el mundo barroco. Actuaba como instrumento solista y también como bajo continuo con el violonchelo o el contrabajo que acompañaba una amplia variedad de música barroca.

A medida que el periodo clásico se va afianzando, el clavicordio va perdiendo protagonismo a medida que el fortepiano se va haciendo con el protagonismo. El piano, en lugar de pulsar las cuerdas como el clave, las golpea con un martillo. Los compositores se sintieron atraídos por el piano por sus cualidades expresivas y por su alcance y fiabilidad cada vez mayores. Esta popularidad, a su vez, dio lugar a algunas de las obras para teclado más extraordinarias jamás compuestas y a la prominencia de la sonata como forma musical.

La música de cámara floreció tanto en el periodo barroco como en el clásico. Una diferencia significativa fue la aparición del Cuarteto y el Quinteto de cuerda. El Cuarteto de Cuerda, en particular, se convirtió en una enorme e importante agrupación musical en el periodo clásico. Haydn escribió sesenta y ocho cuartetos de cuerda y Mozart veintitrés.

Más tarde, Beethoven se convirtió en el campeón del cuarteto de cuerda, llevándolo a terrenos que quizás no han sido superados en la actualidad. Como forma musical, el Cuarteto de Cuerda era el epítome de la elegancia y la sofisticación, y consistía normalmente en una estructura de cuatro movimientos. El Minueto, a menudo el tercer movimiento de un cuarteto de cuerda, era el único eco real que quedaba del Barroco.